Pintar lo que se siente, entender el arte abstracto

Josefa Gomis || Celia Soriano

Todos tenemos claro que esto es arte:

Monet, Nenúfares 1916-1923
Monet, Nenúfares 1916-1923

Incluso la mayoría podríamos afirmar, sin tener que pensarlo demasiado, que esto también es una obra maestra:

Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907
Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907

Pero tal vez puede resultar chocante atribuir tales méritos a este cuadro

Kooning, Black and White
Kooning, Black and White

O a este otro,

Rothko, Royal red and blue
Rothko, Royal red and blue

En realidad, el primero de ellos, obra de Kooning, ocupa un lugar destacado en el Museum of Arts de Rhode Island. Por otra parte, el segundo, un Rothko, fue vendido en una subasta de Sotheby’s por más de 75 millones de dólares. ¿Qué es lo que hace a estos dos cuadros tan valiosos? El arte abstracto tiene su propia razón de ser. Caspar David Friedrich, paisajista del romanticismo alemán, dio una de las claves mucho tiempo antes de que se expandiera el movimiento abstracto: “El pintor debe pintar no sólo lo que tiene al frente, sino también lo que ve dentro de sí mismo. Si no ve nada dentro, entonces debe dejar de pintar lo que está delante de él”. Pablo Picasso lo expresó de esta manera bastantes años más tarde: “El pintor pinta no lo que ve, sino lo que siente, lo que se dice a sí mismo sobre lo que ha visto”.

En este sentido, los pintores abstractos cumplen con creces lo que se espera de un artista. Su interior, sus pasiones y sentimientos están totalmente expuestos en sus cuadros, éste es el sentido de muchos de ellos. Por esta razón, una pintura abstracta puede ser profundamente emotiva, evocadora o, incluso, desgarradora.

Sin embargo, para comprender el arte abstracto no se necesita un gran bagaje filosófico ni dominar complejas teorías estéticas; basta con abrir la mente, reorientar la mirada y disponer nuestra sensibilidad; un pequeño cambio de actitud que nos permita mirar las obras con un toque de imaginación. ¿Qué pretendía Rothko al disponer los colores de esa manera? ¿Por qué Pollock decidió usar vidrios rotos o cuchillos en lugar de pinceles?

Si has contemplado una puesta de sol, sin darte cuenta en algún momento has dejado de ver el mar, la playa y cualquier otra forma, para fijar la mirada en los colores del cielo, en la combinación de naranjas, amarillos, rosas, ocres, violetas, malvas y otras tonalidades. Por un momento, te abstraes de la realidad para gozar de la paleta de colores de la naturaleza. Y en este punto podemos volver a Monet, ¿no sientes que los colores están superando a las formas que los contienen? Ya se parece un poco más a los cuadrados de color de Rothko.

Monet, Crepúsculo veneciano
Monet, Crepúsculo veneciano

De aquí a comprender las pinturas líricas de Kandinsky solo hay un paso.

Kandinsky, Improvisación 19, 1911
Kandinsky, Improvisación 19, 1911

Si has volado en avión por una zona cultivada y has contemplado una diversidad de rectángulos de tonalidades verdes, estas muy cerca de admirar las acuarelas de Paul Klee y hasta las geometrías suprematistas de Malevich.

Paul Klee, Ancient Sound, 1925
Paul Klee, Ancient Sound, 1925

Si alguna vez has visto de cerca un nido de pájaros y has observado la cantidad de ramitas, unas más gruesas que otras, unas marrones, rojizas, ocres, pardas, amarillas, probablemente te pueda gustar la expresividad de las pinturas de Pollock.

Comparación de Pollock del Moma de NY con nido
Comparación de Pollock del Moma de NY con nido

Si miras a través de un cristal después de la lluvia, y ves formas desdibujadas, manchas, formas geométricas con contornos desdibujados, y miras las vibraciones lumínicas de los colores y sus tonalidades, quizá veas una pintura de Rothko.

Comparación Rothko Blue and Grey con lluvia en la ventana
Comparación Rothko Blue and Grey con lluvia en la ventana

En todas estas acciones lo que hacemos es abstraer la mirada de las formas acostumbradas y empezar a explorar los terrenos de la imaginación. Cuando le encontramos sentido a todo esto ya hemos entrado en el campo de la comprensión y el disfrute del Arte Abstracto.

Piensa en un concepto abstracto, como la inmensidad, el amor, la soledad… es difícil expresarlos con imágenes. Pueden ser representados por estereotipos o símbolos, pero no con formas concretas. Hasta es complicado definirlos con palabras. De eso se trata: pintar, dibujar, componer en base a un concepto sin tener que representarlo tal cual es.

El siglo XX, en el que se creó este movimiento artístico, se caracterizó por su movimiento, su velocidad, sus descubrimientos, sus aportes a la ciencia y a la tecnología, a lo práctico. todo eso había que representarlo en la pintura. Piensa que un artista trabaja en base al contexto social que le toca vivir, por lo tanto lo abstracto fue una propuesta para plasmar todos estos conceptos tan nuevos, teóricos e indefinidos para el sentido de la vista.

Y ahora, podemos extendernos en la historia de este movimiento y sus mayores exponentes. El arte abstracto nace de la necesidad de expresión libre del artista y se apoya en su lenguaje: líneas, colores, manchas, geometrías, pigmentos mezclados. La abstracción se consolidó a lo largo del siglo XX como categoría estética opuesta a la figuración, con diversidad de planteamientos como suprematismo, neoplasticismo, constructivismo, rayonismo, orfismo, concretismo, action painting, informalismo, abstracción postpictórica, op-art, minimalismo, neo-geo y otros.

Kazimir Malevich (Ucrania, 1878-1935)

Malewich. Cuadrado negro sobre fondo blanco. 1913
Malewich. Cuadrado negro sobre fondo blanco. 1913

 

La pintura Cuadrado Negro sobre fondo blanco, hoy en el Museo de Arte Moderno de Nueva York ha tenido gran importancia a lo largo de la historia del arte. Se convirtió en un símbolo y ayudó a abrir la mente de los espectadores e incentivar las ansias revolucionarias del momento. Influenciado por el Cubismo, Malevich comenzó en 1912 a desarrollar su propio estilo, que le llevó a fundar el Suprematismo con esta famosa obra. Buscaba la reducción de la pintura a elementos geométricos (rectángulo, cuadrado, círculo, triángulo), basado en un pensamiento filosófico sobre arte puro.

Jackson Pollock (Cody, Wyoming, 1912-1956)

Pollock, Number 5
Pollock, Number 5

La pintura N° 5 simboliza el deseo de captar el lado emocional y expresivo de los pensamientos del artista en lugar de una representación de la realidad. Es del período del ‘dripping’, especie de goteo y chorreado (1947-1950). El uso de Pollock de la pintura de acción, mediante el espontáneo y sucesivo rociado de manchas de pintura sobre el lienzo en el suelo, dice más del propio acto gestual de pintar que de la pintura en sí.

Marcel Duchamp (Blainville, Francia, 1887-1968)

Duchamp, Desnudo bajando una escalera, 1912
Duchamp, Desnudo bajando una escalera, 1912

Esta pintura es uno de los iconos fundamentales del arte experimental de las vanguardias y todavía se utiliza como referencia en la pintura contemporánea. Está llena de expresividad, de firmeza en los trazos, de contrastes lumínicos. Imagen a medio camino entre el Cubismo y el Futurismo, pero conquista la abstracción. La multiplicación de puntos de vista sugiere una sensación de movimiento nunca vista hasta entonces.

Wassily Kandinsky (Moscú, 1866-1944)

Kandinsky, Composición VII, 1913
Kandinsky, Composición VII, 1913

Composition VII era considerada por el mismo artista como su obra más compleja. Las pinturas de Kandinsky no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el mundo de la música, del que tomaban los títulos. Su pintura era la traducción de “expresiones de sentimientos que se forman lentamente en mi interior”, Están configuradas por conjuntos de formas orgánicas e irregulares de inspiración poética y musical, por lo que a su estilo se le denominó Abstracción Lírica.

Piet Mondrian (Amersfoort, Holanda, 1872-1944)

Mondrian, Tableau 2, 1921
Mondrian, Tableau 2, 1921

Mondrian afirmaba que el arte no se debe utilizar para la reproducción de imágenes de objetos reales, sino para expresar lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad. Por eso redujo a los colores primarios, elementos planos, líneas y ángulos rectos, eliminando toda curva o diagonal. Con su teoría, Neoplasticismo, buscaba la armonía y la pureza plástica como la música y las matemáticas.

Paul Klee (Münchenbuchsee, Suiza, 1879-1940)

Klee, Jardines sureños, 1919
Klee, Jardines sureños, 1919

Esta acuarela la pintó Klee en recuerdo a su viaje a Túnez donde quedó abrumado por
la intensa luz y el color. Sus pinturas están cargadas de alusiones a los sueños, la música y la poesía, con un estilo que recuerda a los surrealistas y a los cubistas. Su expresión personal está imbuida de una fantasía cercana a la pintura infantil y al arte primitivo.

Mark Rothko (Daugavpils, Letonia, 1903–1970)

Rothko, Centro rosa, 1950
Rothko, Centro rosa, 1950

Centro blanco es la primera obra de la etapa madura de Rothko. Es parte del estilo multiforme del artista: varias capas de colores complementarios en un lienzo grande. Sugiere en variaciones de color y tono una sorprendente diversidad de atmósferas y estados de ánimo. “El silencio es tan exacto”, dijo Rotko, negándose a explicar el significado de su obra.

Frank Stella (Massachusetts, U.S.A.)

Frank Stella, Arran II, 1967
Frank Stella, Arran II, 1967



Hacia 1967 Stella inició un grupo de pinturas con formas rectas y curvas de colores brillantes y fluorescentes, rompiendo el formato rectangular de las pinturas de caballete. En Harran II, cada forma está en realidad definida por pares de líneas horizontales y verticales que se cruzan en ángulos rectos. Con el uso de color casi psicodélico y una combinación de acrílico y pigmentos fluorescentes, Stella combinó armónicamente la abstracción con lo decorativo. Para reafirmar lo abstracto de sus obras apeló a la su famosa frase: “Lo que ves es lo que ves”.

Antoni Tàpies (Barcelona, 1923)

Tàpies, Pirámide, 1959
Tàpies, Pirámide, 1959



Tàpies es exponente de primer orden de la corriente matérica del Informalismo. Mezcla elementos heterogéneos como polvo de mármol y arena con la pasta pictórica sobre los que realiza huellas, incisiones que sostienen formas y signos con claras alusiones al universo, la vida, la muerte o la sexualidad.

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Un comentario Agrega el tuyo

  1. yaqueline dice:

    excelente

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